Born on May 11, 1928 in Rishon LeZion, Israel
Lives and works in Israel
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WORKS
WORKS
WORKS
View of the exhibition "Tribute to the masters. Centenary of Jesus Rafael Soto & Carlos Cruz-Diez", Espace Meyer Zafra, Paris, 2023. Photo : Louis Matray
This year Venezuela commemorates the Centenary of the birth of two great masters of kinetic art, Jesus Rafael Soto and Carlos Cruz-Diez. On this occasion, Espace Meyer Zafra, a gallery defending the geometric abstraction of Venezuela for more than 20 years, is pleased to present a collective exhibition entitled Tribute to the Masters. Historical works by Carlos Cruz-Diez and Jesus Rafael Soto will be featured, as well as works by artists with obvious visual links, such as Yaacov Agam, Francisco Salazar, Manuel Mérida, Piotr Kowalski and Armando Reveron.
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Le Vénézuéla commémore cette année le Centenaire de la naissance de deux grands maîtres de l’art cinétique, Jesus Rafael Soto et Carlos Cruz-Diez. À cette occasion, Espace Meyer Zafra, galerie défendant l’abstraction géométrique du Vénézuéla depuis plus de 20 ans, a le plaisir de présenter une exposition collective intitulée Hommage aux maîtres. Des oeuvres historiques de Carlos Cruz-Diez et de
Jesus Rafael Soto seront accompagnées d’oeuvres d’artistes aux liens plastiques évidents tels que Yaacov Agam, Francisco Salazar, Manuel Mérida, Piotr Kowalski et Armando Reveron.
Jesus Rafael Soto
Vibration Coquilles
162 x 162 x 17 cm (63,8 x 63,8 x 6,7 in)
Paint on wood and metal, nylon
1996
The work Vibration Coquilles is composed of a pink rectangle in the upper part and a frame in the lower part on top of which suspended metal rods are juxtaposed. Depending on the viewer’s motion, these rods disappear and reappear, giving a particular vibratory aspect to the piece.
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L'oeuvre Vibration Coquilles est composée d’un rectangle rose dans la partie supérieure et d’une trame, dans la partie inférieure, par-dessus laquelle sont superposées des tiges métalliques suspendues. Au gré du mouvement du spectateur, ces tiges disparaissent et apparaissent donnant un aspect particulièrement vibratoire à l’oeuvre.
“Take an element, a line, a bit of wood or metal, and transform it into pure light”: through these
words coming from Jesus Rafael Soto, lies the understanding of his artistic conception.
The two works Verde y Tabacco and Carré Noir are part of the Ambivalences series. Influenced by Piet Mondrian, this series generate an illusion of space. The squares embossed to the piece, move forward or backward depending on the viewer’s motion.
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« Prendre un élément, une ligne, un peu de bois ou de métal, et le transformer en lumière pure » : par ces mots de Jesus Rafael Soto, nous pouvons appréhender sa conception artistique. Les deux oeuvres Verde y Tabacco et Carré Noir font partie de la série des Ambivalences. Influencée par Piet Mondrian, cette série génère une illusion de l’espace. Les carrés, placés en relief de l’oeuvre, avancent ou reculent selon le mouvement du spectateur.
Jesus Rafael Soto
Verde y tabacco
62 x 62 x 18 cm (24,4 x 24,4 x 7,1 in)
Paint on wood and metal
1994
Jesus Rafael Soto
Carré Noir
93 x 62 x 18 cm (36,6 x 24,4 x 7,1 in)
Paint on wood and metal
1991
View of the exhibition "Tribute to the masters. Centenary of Jesus Rafael Soto & Carlos Cruz-Diez", Espace Meyer Zafra, Paris, 2023. Photo : Louis Matray
Carlos Cruz-Diez
Physichromie 2567
60 x 120 cm (23 3/5 x 47 1/5 in)
Aluminum and strings
2010
Carlos Cruz-Diez
Chromointerférence, Série C
34 x 30,2 x 19 cm (13,4 x 11,9 x 7,5 in)
Acrylic, PVC, metal, painting, motor
Edition Denise René 27/50
1968
Two works by Carlos Cruz-Diez are presented in this tribute exhibition. The first is a Physichromie. Invented in 1959, the principle of this series consists of revealing certain circumstances and conditions of color. As the Cruz-Diez studio indicates, Physichromie acts like a “light trap” in a space where a series of color frames interact and transform when in contact with each other, generating new chromatic ranges,
not present on the support. The Physichromie 2567 that will be presented is divided vertically into three strips covered with PVC, generating a monochrome rendering of blue on one of the profiles and an orange one on the other side. The second work exhibited is a multiple published by the Galerie Denise René in 1968. The multiples were innovative at that time when kinetic art was booming. The Chromointerference Series C is a motorized work in which a first circular frame moves like a pendulum in front of another frame with the same chromatic nuances, causing a disturbance in the viewer’s vision.
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Deux oeuvres de Carlos Cruz-Diez sont présentées au sein de cette exposition hommage. La première est une Physichromie. Inventé en 1959, le principe de cette série consiste à révéler certaines circonstances et conditions de la couleur. Comme l’indique le studio de Cruz-Diez, la Physichromie agit comme un « piège à lumière » dans un espace où une série de trames de couleur interagissent et se transforment au contact des unes et des autres, générant de nouvelles gammes chromatiques non présentes sur le support. La Physichromie 2567 que nous présentons est divisée verticalement en trois bandeaux recouverts de lamelles de PVC générant un rendu monochrome bleu d’un profil et orange de l’autre profil. La seconde oeuvre exposée est un multiple édité par la Galerie Denise René en 1968. Le multiple est novateur à cette époque où l’art cinétique est en plein essor. La Chromointerférence Série C est une oeuvre motorisée au sein de laquelle une première trame circulaire se meut en balancier devant une trame aux mêmes nuances chromatiques, provoquant un trouble de la vision du spectateur.
Yaacov Agam
Metzulot (Seabed)
40 x 54 cm (15 7/10 x 21 3/10 in)
Oil on aluminum
1980-2007
Yaacov Agam was already a figure on the Paris market when he met Jesus Soto whom he introduced to the Galerie Denise René which generated strong bonds between them. Like any artistic movement of the 20th century, artists coexisted together and were inspired by each other’s work. The two works presented in this exhibition show this strong interest in having the spectator participate. As in the work of Carlos Cruz-Diez, the visitor moves in front of the work in order to discover another. If in the work of his Venezuelan contemporary, it is only the color that changes, in Yaacov Agam’s work, the form is transformed by reaching a fourth dimension. Whether in the work entitled Metzulot (Seabed), an oil painting on aluminum, or in the work Espoir, an oil on silk, the image that is seen at first glance is completely transformed as desired depending on the movement.
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Yaacov Agam était déjà une figure sur la place de Paris lorsqu’il rencontra Jesus Soto qu’il l’introduisit à la Galerie Denise René et c’est ainsi que se nouent des liens forts entre eux. Comme tout mouvement artistique du XXème siècle, les artistes cohabitent ensemble et s’inspirent mutuellement du travail les uns des autres. Les deux oeuvres présentées au sein de cette exposition montrent cette préoccupation pour
la participation du spectateur. Comme dans l’oeuvre de Carlos Cruz-Diez, le visiteur se déplace devant l’oeuvre afin d’en découvrir une autre. Si dans le travail de son contemporain vénézuélien, c’est uniquement la couleur qui change, chez Yaacov Agam, la forme se transforme en atteignant une quatrième dimension. Que cela soit dans l’oeuvre intitulée Metzulot (Fond marin), une peinture à l’huile sur aluminium, ou dans l’oeuvre Espoir, une huile sur soie, l’image que nous voyons au premier regard se transforme totalement au-gré de notre déplacement.
Yaacov Agam
Espoir
40 x 53 cm (15,7 x 20,9 in)
Oil on silk
2003
Francisco Salazar
Dématérialisation n°2128 / 2127 / 2124
50 x 50 cm each (19,7 x 19,7 in each)
Wood, acrylic, corrugated cardboard
1975
In the works Dématerialisation created in 1975, each space is made up of tiny variations in light values, spaces where the light constantly changes. His work is punctuated by positive and negative atmospheres activating the roughness of the support itself which is corrugated cardboard.
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Dans les oeuvres Dématérialisation réalisées en 1975, chaque espace est constitué d’infimes variations de valeurs lumineuses, d’espaces où la lumière change constamment.
Son travail est rythmé d’atmosphères positives et négatives activant l’aspérité du support même qui est le carton ondulé.
Manuel Mérida
Cercle Bleu Outremer Clair
Diameter 155 cm (Diameter 61 in)
Painted wood, pigments, glass, electric engine
2021
Manuel Mérida
Cercle Rose Tyrien Clair
Diameter 140 cm (Diameter 55 1/2 in)
Painted wood, pigments, glass, electric engine
2014
Just like Yaacov Agam, Piotr Kowalski comes from another part of the world, but he fits well into this movement. Close to Venezuelans and notably Manuel Merida, he participated alongside Cruz-Diez, Soto and Agam in the largest kinetic presentations (Lumière et Mouvement, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 1967 / Dynamo, Grand Palais, Paris, 2013). Like the works of the artists mentioned above, without the participation of the spectator, the work of Piotr Kowalski has no reason to exist. Perspective neon has in common with kinetic art the abandonment of the notion of traditional painting and sculpture. In 1973, while he was working on words of light, Kowalski represented here the word Perspective, inscribed in a perspective outline - the letters growing larger as the word was written. The work aims to criticize this classic perception, central in Western thought.
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Tout comme Yaacov Agam, Piotr Kowalski vient d’une autre partie du monde, mais il s’inscrit bien dans cette mouvance. Proche des vénézuéliens et notamment de Manuel Merida, il participe aux côtés de Cruz-Diez, Soto et Agam aux plus grandes présentations cinétiques (Lumière et Mouvement, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 1967 / Dynamo, Grand Palais, Paris, 2013). À l’image des travaux des artistes cités précédemment, sans participation du spectateur, l’oeuvre de Piotr Kowalski n’a pas raison d’être. Le néon Perspective a en commun avec l’art cinétique l’abandon de la notion de peinture et de sculpture traditionnelle. En 1973, alors qu’il travaille sur les mots de lumière, Kowalski représente ici le mot Perspective, inscrit dans un tracé perspectif - les lettres grossissant à mesure que s’écrit le mot. L’oeuvre vise à critiquer cette perception classique, centrale dans la pensée occidentale.
Piotr Kowalski
Perspective
20 x 55 cm (7 9/10 x 21 7/10 in)
Neon. Edition 3
1974
Exceptionally, on the occasion of this exhibition, we have chosen to present a historic work by Armando Reveron, a Latin American artist considered one of the most important of the 20th century. The artist’s white period will undoubtedly have marked kinetic artists in their reflections on light and vibration (more particularly Francisco Salazar as demonstrated by Sebastian Sarmiento). The landscape entitled El Tamarindo, belonging to his sepia period, depicts a light giving a particularly abstract aspect to the work.
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Exceptionnellement, à l’occasion de cette exposition, nous avons choisi de présenter une oeuvre historique d’Armando Reveron, artiste latino-américain considéré comme l’un des plus importants du 20ème siècle. La période blanche de l’artiste aura sans aucun doute marqué les artistes cinétiques dans leurs réflexions sur la lumière et la vibration (plus particulièrement Francisco Salazar comme le démontre Sebastian Sarmiento). Le paysage intitulé El Tamarindo, appartenant à sa période sépia, relate une lumière donnant un aspect particulièrement abstrait à l’oeuvre.
